NALCA

Radiohead celebró el Año Nuevo en Current TV, la televisión participativa del ex Vicepresidente Norteamericano, Al Gore. El webcast está disponible en el sitio Radiohead.tv, y a la vez, alojado por el canal Current.tv, debido a tener el mismo espíritu innovador que la banda busca.

 
+  La banda transmitió el pasado 31 de Diciembre un show exclusivo, íntegramente por Internet, tal como su “Thumbs Down” de hace un par de semanas atrás. Dicho recital fue pregrabado (ver fotos en DAS) e incluyó la interpretación completa de In Rainbows. La transmisión del webcast duró aproximadamente 50 minutos. Se aprecia entre cada canción, narraciones, cortes de animaciones e imágenes en que la banda enmascarada huye en cámara lenta de un letrero pirotécnico que dice "GOOD NIGHT". La presentación incluye una versión diferente de "Jigsaw Falling Into Place", tocada sólo por Thom (guitarra), Jonny (connection + beats) y Ed (guitarra). Además, se exhibió la misma versión de "Faust Arp", que formó parte del Webcast Thumbs Down de Noviembre. El videoclip de "Nude" muestra a la banda completa, en cámara lenta, sobre un fondo negro. Finaliza con tomas individuales de cada miembro rodeados de plumas blancas, bajo el mismo prisma de velocidad de captura de cuadros utilizado por el director inglés Jonathan Glazer en el clip Street Spirit (Fade Out).

 
1. Weird Fishes/Arpeggi
2. Bodysnatchers
3. Jigsaw Falling Into Place
4. Faust Arp
5. 15 Step
6. Videotape
7. Reckoner
8. House Of Cards
9. All I Need
10. Nude (videoclip)

+  Thom Yorke cuenta en una conversación con David Byrne publicada en en Wired, sus planes para escapar del control de las discográficas. Además, también le atormenta el hecho que la banda produzca tanta contaminación como música. "Hacemos dinero fundamentalmente de las giras. Pero es difícil para mí conciliarlo, porque no me gusta todo el consumo energético, el viaje. Es un desastre ecológico", aclara Yorke. La preocupación de Radiohead les llevó a encargar un estudio sobre su impacto ecológico y la huella contaminante que dejan sus conciertos.

 
+  "Hace un tiempo, este año, le pedimos a una compañía de Oxford llamada Best Foot Forward que hiciera una medición de la huella carbónica de dos giras recientes de Radiohead, con el objetivo de reducir nuestras emisiones carbónicas. Ir de gira es muy importante para nosotros, una gran porción de la alegría y pasión por lo que hacemos, y nos hemos comprometido a encontrar maneras más responsables para hacerlo. Le solicitamos a Best Foot Forward que compare dos tipos diferentes de gira que hicimos recientemente en Norteamérica: una fuera de la ciudad con grandes conciertos en anfiteatros, y una en teatros más pequeños en los centros de las ciudades.

 
+  Queríamos averiguar qué tipo de gira tiene el menor impacto carbónico y ambiental 'por persona entretenida'. Teníamos bastante información para trabajar en nuestra propia huella carbónica, pero teníamos que hacer algunas asunciones sobre las huellas carbónicas de los fans; cómo viajan y cuanta cerveza consumen al ir a los shows”, comenta Colin Greenwood, sobre la planificación ecológica de la gira norteamericana, mensaje extraído del blog de la banda (Dead Air Space - DAS).

"In the realms of unreal" es un documental dirigido por Jessica Yu. En el se exhibe la particular biografía de Henry Darger, mezcla de animación con imagen real. Fue finalista hace un par de años en Sundance, y estuvo nominado el año pasado a los Oscar.

                                                                                                                                          +  El film cuenta la historia, la obra y el drama de Henry Darger, un solitario que vivió y creó de espaldas al mundo una obra imponente y terrible: Su novela “The Story of the Vivian Girls, in What is Known as the Realms of the Unreal, of the Glandeco-Angelinian War Storm, as caused by the Child Slave Rebelion”, trip hipnótico de 15.000 páginas escritas a maquina sin espacio, ilustradas por cientos de acuarelas de gran formato, de una fantasía inquietante y perturbadora. La escribió e ilustró desde que tenía diecinueve años y que fue descubierta en el departamento donde vivía luego de su muerte a los ochenta años. Darger no es un artista, ni intenta serlo y sus imágenes no son su “obra” sino el diario intimo de un esquizofrénico, de una persona que no reconocía la diferencia entre sexos y que a los diez años fue internado en un hospicio para enfermos mentales.

+  El libro relata la historia de las siete Vivianitas, siete hermanas que son como siete Alicias, o como siete Dorothys, que viven en un mundo de niñas permanentemente acosado por “los hombres que esclavizan a los niños”. Las heroínas, unas niñas extrañas (pues todas lucen un pequeño pene cuando Darger las retrata frecuentemente desnudas) luchan valerosamente contra las hordas esclavistas pero acaban sufriendo horribles torturas en escenas de minuciosa violencia.

+  Lo que las imágenes dicen es bastante distinto a la manera “infantil” de la representación. Los niños toman como esclavo al LSD, hombres adultos de 4 años que arrastran su transgénero más allá de la carne viva. Chicos atados, matándose, corriendo desnudos con armas en sus manos, las miradas extraviadas, las niñas con pequeños penes, algunos personajes con alas de mariposa y cuernos de carnero, los cuerpos blancos, hermafroditas, perversos, violentos, corriendo, gritando, sufriendo. Cuando se intenta entender lo que pasa es cuando estamos obligados a cruzar la línea, cuando nos quitamos las vestiduras de la normalidad, cuando el mundo de Darger se mete dentro, se hace insoportable, nos mantiene atados, inmóviles, en medio de su realidad; toda la “intencionalidad”, la conciencia de lo que “se quiere mostrar y provocar”, en Darger surge desde otros lugares.

+  La novela es confusa y sorprendente, pero lo realmente impresionante son las ilustraciones que la acompañan: verdaderas obras maestras de un auto didactismo alucinado. Coloridas escenas de épicas batallas entre niñas y soldados, realizadas con una elaborada técnica que une el collage, el calco y el dibujo en una cuidada planificación escénica.
Todo este asombroso material permaneció oculto hasta la muerte de Darger, a los 81 años, pues su autor vivió al margen de la sociedad, sin amigos ni parientes. Jessica Yu lo recoge en su documental recurriendo a la animación para convertir los cuadros en vibrantes y coloridas batallas, y para intentar dar respuesta a la siguiente cuestión: ¿puede alguien vivir exclusivamente dentro de su cabeza?

Gael García es el protagonista de The Science of Sleep, un personaje que se debate continuamente entre la realidad y el programa televisivo que se emite en el interior de su cerebro. Una pequeña y humilde joya cinematográfica del director Michel Gondry, como la idea del vídeo de Everlong que hizo para Foo Fighters de 1997.

                                                                                                                                          +  Stéphane (Gael García) es un joven mexicano que deja el D.F. para radicarse con su madre en París. Ella le ha conseguido un trabajo como diseñador en una empresa fabricante de calendarios. Creativo, artista y con la determinación de ser inventor, Stéphane comprueba que su labor no es más que pegar recortes con fechas y llevarlos al scanner. Sus compañeros de oficina son autómatas, ciudadanos medios sin creatividad. Tras un accidente en la escalera de su piso, conoce a su vecina Stéphanie (Charlotte Gainsbourg). Ella es el centro de atracción en contra de su timidez y cable a tierra hacia el mundo real. Lo acompaña en juegos infantiles que cruzan los límites de lo onírico y lo real. Sin hacer hincapié en diferenciar lo real de lo ilusorio, el director Michel Gondry introduce a Stéphane, y al espectador, a través de simples cortes directos al mundo creado por este: un estudio propio de televisión hecho de cajas de cartón en donde él dirige su programa y que representa su refugio del exterior: Stephan TV.  

+  The Science of Sleep seduce con peculiaridades que no son perfectas, experimentos de una narrativa emocional y autista. El aspecto visual es interesante, esta inspirado en la película “Viaje en Globo” (1960) de Albert Lamorisse, su primer recuerdo cinematográfico de infancia: “Es la primera película que vi, un increíble viaje sobre los tejados de la Francia de los años 60”. El director dibuja el llamativo mundo visual de los programas infantiles de Europa del Este de las décadas del 60 y 70. En la banda sonora de Jean-Michelle Bernard participan además The Strokes, Death Cab for Cutie, The Willowz y la propia actriz Charlotte Gainsbourg. Inolvidable es el momento en el que suena una especial versión del tema “After Hours” de The Velvet Underground, titulada “If You Rescue Me”. En el film también actúa una actriz francesa que responde al nombre de Emma de Caunes, quien, aparece en el video “Knives Out” que dirigió para Radiohead, video que no fue del agrado de la banda. Antes de este film Gondry hizo el documental “Dave Chalepelle’s Block Party”.

+  Es la primera película de ficción que Gondry realiza sin Charlie Kaufmann en el guión. “Todo empezó hace unos años por una idea que usé para un video de Foo Fighters, sobre dos jóvenes que comparten sueños, quería ver como interactuarían con los sueños del otro. Incorporé esta idea a una historia acerca de como los sueños podrían afectar a una relación entre dos personas y como, por otra parte, podría la relación influir en sus sueños. Hemos rodado en 35 mm. y lo hemos hecho en unas 7 semanas. Las secuencias de animación de los sueños se realizaron durante un par de meses y medio realmente intensos en mi casa de campo en Villemagne, en las montañas, unos 6 meses antes del rodaje. Todo está filmado con cámara, fotograma por fotograma. Cuando acabábamos con los actores, traíamos una cámara de animación para filmar objetos en movimiento con la misma luz. Puede que no suene muy práctico en términos de producción, pero es lo mejor si quieres darle ese toque artesanal. Fuimos los primeros en rodar con este nuevo equipo de Fuji”, dijo Gondry a los reporteros luego de la rueda de prensa de lanzamiento del film.

+  Gondry se tomó ocho años para escribir el guión. Cuando le preguntaron si veía similitudes entre sí mismo y el personaje principal, respondió "es muy, muy parecido". Agregó que se pasó un año hablándole a García Bernal sobre el papel antes de hacer la película. El director asegura que en él encontró al actor idóneo para interpretar a este peculiar personaje, que, reconoció, tiene mucho de autobiográfico. Para Bernal, fue el viaje del mundo interno al mundo externo de Stéphane lo que más lo desafió. "La película fue un ejercicio sobre cómo manejar los demonios a los que me enfrenté en mis sueños, y Michel puso aun más leña al fuego", dijo el mexicano. Mientras que muchas de las visiones de la cinta provienen de sus propios sueños. Tanto a Bernal como a Gondry están dispuestos a repetir la formula en un film titulado “Master of Space and Time”, cuya historia gira en torno a dos científicos locos que descubren una manera de controlar la realidad, y el proyecto llamado “Be Kind, Rewind”, una historia de un empleado de una tienda de videos que sin querer borra todos los VHS del local y se ve obligado a volver a grabarlos.

+  The Science of Sleep nos describe como los sueños pueden intervenir y entremezclarse con la vida real, introduciéndonos en una realidad paralela donde el protagonista se siente totalmente libre. La textura de los sueños hecha a base de cosas de todos los días, con peculiaridades y juegos mentales de realidad-ficción, proyecta que el ingenio de Gondry es orgánico. La película nos habla del misterio inabarcable del amor, del miedo a la soledad y de como las personas con alma logran evadir la impasible realidad, perdiendo muchas veces la complicidad y comprensión de los que le rodean. En base a esta relación, se desarrolla una película que pareciera ser muy simple, pero que en el fondo es tremendamente complicada. Probablemente no sea una película para todos, sus tartamudeos sobre el amor y la honestidad quedan lamentablemente sin desarrollar, pero con la sensación de gracia que deja una clase de artes manuales y el recorte en papel lustre.

Factory Girl retrata la subcultura del downtown neoyorquino, centro underground del artista pop Andy Warhol. Un taller multimedia que se convirtió en el foco de la bohemia, donde una joven inglesa se transformó en la versión warholiana de Grace Kelly.

 
+  El film de George Hickenlooper, conocido documentalista y autor del trabajo sobre Apocalypse Now, narra en forma de regresión el retrato de los últimos seis años de Edie Sedgwick. Reproduce al detalle el prototipo de “chica bien”, la hija de millonarios, anoréxica y golpeada por su herencia psicológica, la diva fotogénica y fugaz de clase alta, que deja atrás la represión familiar al ingresar a la universidad, iniciando una alocada espiral de desinhibición social, política y sexual.

+  Las anfetaminas y la bulimia pronto empezarían a formar parte de la rutina diaria de Sedgwick, sobre todo después de trasladarse a Nueva York a la búsqueda de fama como modelo y actriz. Su autodestrucción se inicia cuando conoció a Andy Warhol, fue su musa y artista más popular. Terminó transmutándose en él, protagonizando ambos una relación vampírica durante año y medio hasta que el progresivo estado de adicción y dejadez hizo que fuera dejada de lado por el resto de la Factory y el propio Warhol. Se trasladó al Chelsea Hotel y cayó enamorada de Bob Dylan como su musa desengañada y delgada que ni siquiera podía pincharse la heroína en el pie.

+  Apareció posando en Vogue con solo la mitad de la cara iluminada y con una peluca tapando su pelo lacerado. Fue alternando amantes y drogas de todo tipo –anfetas, tranquilizantes, heroína, incluso speedball–, así como visitas prolongadas a todos los hospitales psiquiátricos de Nueva York y California. Este proceso de autodestrucción, termina con la muerte de Edie, entre las sombras de la química, por sobredosis de barbitúricos a los 28 años. La causa de la muerte fue decretada como Accidente/Suicidio. En definitiva, el reflejo desnudo de un determinado estilo de vida.

+  Al respecto, Dylan dijo estar en desacuerdo con la película. Si bien el personaje de Hayden Christiensen se llama Danny Quinn, lo cierto es que se viste igual que Dylan y toca la harmónica. Otro que tampoco aprueba la película es Lou Reed, que dijo en declaraciones al New York Times, que era increíble lo bajo que algunos estaban dispuesto a hacer para hacer algo de plata. La controversia ya comenzó con Reed diciendo que el guión era una basura, y ahora continúa con Dylan amenazando con demandar a la productora y detener la distribución de la película. Según sus abogados, parece ser que, aunque se ha cambiado el nombre a su personaje, el film da a entender que la muerte de Edie habría sido culpa suya. Reed no quiere nada con la película: “leí el guión y es una de las cosas más irritantes y estúpidas que he leído en mucho tiempo. No hay límite a cuán bajo pueden llegar algunas personas para escribir algo por dinero", declaró al Daily News de Nueva York.

+  El papel de Edie Sedgwick fue interpretado por Sienna Miller, Guy Pierce es Andy Warhol y Hayden Christensen es una especie de Bob Dylan. Sienna Miller había postulado sin éxito al casting, porque los productores preferían a una protagonista más reconocida por la audiencia. Sin embargo, la publicidad que atrajo tras poner fin a su noviazgo con Jude Law, terminó por convencer a los ejecutivos, entre ellos, los hermanos Weinstein.

+  Yo La Tengo hizo el papel de un grupo con reminiscencias de la Velvet Underground. El guitarrista de Weezer, Brian Bell, y el baterista, Patrick Wilson, encarnaron a Lou Reed y John Cale respectivamente. Weezer grabó una versión de Heroin de Velvet Underground para el soundtrack. Al respecto, Brian Bell dijo en el sitio oficial de la banda: "Mis reservas respecto a grabar Heroin era que, sin importar cuán bien nos saliese, en seguida nos iban a criticar. No puedes grabar un clásico del rock, especialmente uno de una banda de culto como la Velvet, sin generar un par de comentarios despectivos. Pero lo importante de esto es que quizás logremos que una nueva generación se interese por esta increíble banda de rock y podamos cambiar la perspectivas de algunos oyentes ignotos”. La canción Femme Fatale, parte del debut discográfico de The Velvet Underground, fue escrita por encargo de Warhol y justamente está dedicada a la "It-girl", como se le conoció en la época.

+  Factory Girl se desfigura no por la reproducción o por la falacia argumental, sino por la superficialidad en que se aborda la vida de una persona que sufrió por culpa de sus propias decisiones y sus problemas psicológicos. No sólo la película está llena de anécdotas imposibles; no hay una sola referencia artística, cinematográfica o musical que ponga en contexto a toda esta gente. Para ser una biografía de los personajes más carismáticos en la ciudad más carismática de la época, hace falta cierto talento para producir una película tan aburrida. Andy Warhol parece imbécil, Bob Dylan parece imbécil, Gloria Schiff parece imbécil. Nico parece muy imbécil. El director no es capaz de experimentar el drama interno de Sedgwick, encadenar su infancia y adolescencia con sus últimos años, ni mucho menos caer en el fondo del abismo neoyorquino junto con ella. Esto sin duda es una deficiencia en el guión de Aaron Richard Golub y Captain Mauzner. Carece de los verdaderos demonios que atormentaron a Eddie durante su corta vida.

 
“Todos pintan, sopletean paredes, bailan, actúan, se drogan, charlan, fuman, beben, se besan, sacan fotos. Warhol es el único que nunca hace nada. Nadie tan apropiado como Warhol para merecer la definición que tanto halagaba a John Cage: un artista no hace; permite que algo se haga.”

 
Alan Pauls

El artista Doug Aitken proyectó cinco películas creadas por destacados directores en siete paredes fragmentadas en la fachada externa del MOMA, NY. Cat Power y Donald Sutherland son algunos de los rostros que protagonizaron este proyecto.

+  Sleepwalkers nació en discusiones entre el director del museo y artista, Glenn D. Lowry y el presidente y director creativo de la organización Creative Time, Anne Pasternak. “Proyectos experimentales ambiciosos como el de Doug Aitken requieren de una inmensa visión, recursos y creencia en la habilidad del arte para transformar las experiencias de la gente”, comentó Pasternak.

+  Ésta es la primera instalación creada para la fachada del museo. Esta obra de arte convierte el edificio del museo en una flor de imágenes cinemáticas, y trayendo la arquitectura a la vida. Durante la obra, Aitken no sólo explora nuevos materiales de proyección, sino que investiga en las mismas imágenes. En los momentos clave de la proyección, los videos caen en la abstracción, a veces convirtiéndose en píxeles. El uso de Aitken de los volúmenes, superficies y transparencias de la arquitectura, y específicamente de la dinámica urbana de la ciudad de Manhattan, fue llevado a un nuevo nivel de complejidad, escala y visibilidad en Sleepwalkers.

+  Sleepwalkers mezcla historias acerca de cinco típicos neoyorquinos, personas nocturnas que se levantan cuando el sol se pone, y se preparan para salir a sus destinos en la ciudad. A medida que se mueven, se ven momentos de su vida privada, de su trabajo, y como se relacionan con la ciudad y sus habitantes. Todo yuxtapuesto en diversas caras del museo. Por momentos, todos los movimientos de los personajes quedan perfectamente sincronizados, con el fin de enfatizar la idea de soledad de la gente en las grandes ciudades en contraposición con su pertenencia a una sociedad urbana. Todo esto se disuelve y los personajes entran en una transición más abstracta, en la que están como soñando. Mientras camina la calle, el hombre de negocios se choca con un taxi, luego se sube al auto y empieza a bailar alocadamente sobre el auto atropellado. El mensajero encuentra un balde en el subterráneo y se pone a tocar hasta entrar en una especie de trance. Por su parte, la mujer administrativa ve como su oficina se empieza a disolver y ella aparece en un concierto de violinistas. Y el electricista, siguiendo unos cables a lo largo de la calle, es tomado por una manija y empieza a jugar con el cable como si fuera un personaje de circo.

+  El artista trabajó en el proyecto junto a importantes músicos y directores de cine. Los actores incluyen al baterista callejero Ryan Donowho (Broken flowers y Strangers with candy) como el mensajero; el actor y músico Seu Jorge (Ciudad de Dios,  Vida acuática de Steve Zissou) como el electricista; Chan Marshall (Cat Power, North Country) como el trabajador del correo; Donald Sutherland (M*A*S*H, Klute) como el hombre de negocios; y Tilda Swinton (Orlando, Crónicas de Narnia) como la trabajadora administrativa. Los protagonistas de la película llevan a los espectadores a un viaje por Nueva York, su arquitectura y su arqueología psicológica, sus subterráneos, edificios públicos, palos de electricidad y centros de procesamiento.

+  La película se filmó en los cinco suburbios de Nueva York, incluyendo el túnel de Atlantic Avenue en Brooklyn; el Pavilion para patinar en Staten Island; la compañía Lettera Sign, donde se arreglan los carteles de Time Square en el Bronx; una oficina de correo en Queens; el Museo de Tránsito de New York; y otras numerosas locaciones como las calles de Harlem y Lower East Side.  De esta manera, se dan a conocer partes de la ciudad casi no ignoradas, como una pista de helicóptero en el último piso del edificio de MetLife en Manhattan, y el detrás de las luces de neón de Times Square.

El color de la vieja Volkswagen es el amarillo, recorre la carretera con una familia dentro: “Los Hoovers". Cruzan Estados Unidos para que la hija pueda participar en un concurso de belleza infantil. 

 
+  “Little Miss Sunshine” es una road-movie engrasada, de trayecto accidentado, no engaña con giros de guión, ni se pega a la fácil sensiblería o al folklorismo de las típicas películas sobre familias de clase media americana.  “La vida es como un eterno concurso de belleza”, es una de las frases que sintetizan los anhelos y frustraciones de los personajes que convergen en la cinta de gustillo tipicamente Sundance. Una película inteligente que cuenta sin artificios los peligros de una sociedad dónde sólo se tienen en cuenta a los ganadores, que explora distintos subgéneros para retratar al perdedor, ese no-héroe con el que el público se identifica y al que premia: “El verdadero perdedor no es aquel que no gana, sino aquél que tiene tanto miedo a no ganar que ni siquiera lo intenta”, frase del abuelo Hoover.  

 
+  Sencilla -quizás en exceso- y de moral categórica, no deja ver más que lo que hay: un abuelo iniciado en la tercera edad que intenta disfrutar como puede de la vida que le queda, escupiendo sobre el mundo, “jalando” heroína y dejando paso a que su nieta realice las ilusiones que él un día dejó pasar de largo y ahora le amargan; un tío escritor especialista en Proust y ex-suicida que regresa al hogar después de un frascazo gay amoroso, empatizando con una familia que tampoco tiene desperdicio y que le hace recuperar el oxígeno que necesita; el hermano autista, liberándose del yugo de "deber ser" alguien en la vida, adolescente mudo reñido con el mundo, que lee a Nietzsche y sueña con ser parte de las filas de la fuerza aérea; una madre orquesta, que recoge como puede los restos que quedan de su familia; el padre, pasando al otro lado, el de los humanos, los "fracasados" que representa al wonderful way of life americano, el cabeza de familia, un escritor de libros de autoayuda que espera su gran oportunidad editorial para vender su método: cómo ser un triunfador en nueve pasos; y por último, la pequeña Olive, una niña como tantas, feliz, ilusionada con los concursos de belleza de la tele. La historia de la tierna abejita que no encaja en la sociedad y se dedica a bailar, hasta que encuentra el paraíso de las abejas.

 
+  Jonathan Dayton y Valerie Faris hacen su debut como directores de cine con "Pequeña Miss Sunshine". Cuentan con una impresionante lista de innovadores trabajos como directores y productores en diversos medios, habiendo colaborado en más de 75 proyectos cinematográficos, de televisión, publicidad y vídeos musicales. Trabajaron en el ámbito más innovador de la televisión musical, dirigiendo premiados vídeos y documentales para artistas como REM, Janes Addiction, The Smashing Pumpkins (“Perfect”, “Tonight, tonight”, “1979”, “Rocket”, “The End is the Beginning is the End”), Red Hot Chili Peppers ("The Other Side", "Californication", "Road Trippin'", "By the Way"), Macy Gray, Soundgarden, The Ramones, Oasis, Weezer, Korn y Janet Jackson.

+  Sus producciones musicales les han reportado en los últimos tiempos dos Premios Grammy, nueve MTV Music Video Awards y un Premio de Billboard Music al "Director del Año". Además, Jonathan y Valerie han trabajado con profusión en la pequeña pantalla, habiendo dirigido episodios de la destacada serie cómica de sketches, "Mr. Show with Bob and David", para la HBO. También han producido dos películas: el documental “THE DECLINE OF WESTERN CIVILIZATION PART II: THE METAL YEARS”, para New Line Cinema; y “GIFT”, de Janes Addiction, para Warner Bros. Music. En 1998, Jonathan y Valerie fundaron Bob Industries, una de las productoras publicitarias más importantes de los Estados Unidos, habiendo dirigido destacados anuncios para firmas como VW, Sony Playstation, Gap, Target, Ikea, Apple y ESPN, entre otras muchas. En 2004, Boards Magazine situó a Dayton y a Faris entre los diez mejores directores de publicidad de hoy en día.

 
+  “Little Miss Sunshine” es una cinta de factura modesta, reflexiona acerca del universo creado por una sociedad que gira en torno a un modelo basado en el éxito económico y el prestigio social. Nos muestran seres creíbles, de carne y hueso, ruinas vivientes, supervivientes de un sistema cultural no tan alejado del nuestro, personajes paralizados por la angustia de no responder a lo que la sociedad pide de ellos, y obligados por pura supervivencia vital a redescubrirse como personas libres, más allá de esos imperativos culturales.
Premiada en Sundance, aprovecha en no parecer de calidad y con su banda sonora perfectamente indie como es Sufjan Stevens. Cine con la “C” escrita así, en alta, bordea la autocomplacencia en incontables ocasiones, contiene las suficientes capas de gracia.

 
And I don't understand why I sleep all day / And I start to complain that there's no rain / And all I can do is read a book to stay awake / And it rips my life away, but it's a great escape escape...escape...escape...
All I can say is that my life is pretty plain / ya don't like my point of view / ya think I'm insane Its not sane...it's not sane.

No Rain / Blind Melon

+  Posee una biografía transplantada de una espiral del caos: "la crónica de vivir tan deprisa". Ves lo que hay y sólo lo que hay. Es demasiado intelectual para el negocio de los tabloides amarillistas. Es una perfecta combinación de Sid Vicious (Sex Pistols) y Morrisey (The Smiths). Lo suyo no es combat rock sino la mera supervivencia. No hay guionista que no quiera escribir escenas de su historial bohemio. Un puzzle imposible de armar para quién no sepa comprender cómo una misma persona puede haber escuchado de pequeño a New Kids On The Block, rellenar fosas en un cementerio, caracterizarse de payaso con su amigo Carl Barat para turistas en el Speakers Corner de Hyde Park, actuar en un festival en contra del racismo, grabar una canción para la ONG War Child y acabar en un calabozo de Oslo, leer poesía en la BBC y ser señalado por un diputado como “ése que consume drogas, es encarcelado y aún así obtiene portadas”, pelearse en el escenario de Reading con parte de su banda y rodies, robar en la casa de Barat y reconciliárse con él a la salida de la cárcel, componer letras a destajo en un hotel del barrio parisino de Montmartre, burlárse de Marilyn Manson en el backstage de David Letterman Show, tocar con su guitarra de palo a la salida del juzgado fumando crack a metros de un carro policial, recitar el poema “Suicidio en las trincheras” de Siegfried Sasson al recibir el premio de NME al grupo revelación, escapar de un monasterio tailandés donde se sometía a una cura de desintoxicación para comprar droga en Bangkok, jalar una raya de cocaína con una hoja arrancada de una biografía de Paul Verlaine antes los ojos de un periodista de la revista Mojo, improvisar un show frente en el Palacio de Buckingham, aparecer en los escaparates de Virgin Megastore robando algunas copias del primer single de The Libertines quedando registrados por las cámaras de seguridad del local, ir y dar un show brillante o no aparecer por el lugar de su recital, estrellar una guitarra por el suelo para acabar un concierto al tercer tema o despedir a la cantante Dot Allison (ex – novia) luego de empezar su noviazgo con Kate Moss, por citar un currículo irrepetible y el glamour de la autodestrucción en un riguroso directo. Para consultas, extensas son las notas que escribe a mano en www.babyshambles.net bajo el nombre de “The books of albion”.

+  Liam Gallagher, vocalista de Oasis calificó de “idiotas” a Pete Doherty, al líder de The Darkness Justin Hawkins y a Tom Chaplin, cantante de Keane, luego de que los músicos ingresaran casi simultáneamente a la clínica The Priory para luchar contra su adicción a las drogas y el alcohol. “Ninguno de nosotros estuvo en The Priory como estos idiotas. Ellos se toman una sola línea, se queman y entran a rehabilitación”, señaló el músico. Liam se refirió a que los rockeros del siglo XXI son pesos livianos cuando de tomar drogas se trata e hizo especial énfasis en Pete Doherty: “Ese Pete Doherty está arruinado. Es como, ¿cuántos años tiene? ¿Estás en Priory a los 27 años? Eres un idiota. Los chicos ricos no pueden tomar drogas. Son pesos livianos”.

+  Siguiendo los pasos de su novia Kate Moss, Doherty ha fichado por la firma Gio-Goi para diseñar algunas de sus prendas. De momento, el cantante se convertirá en su imagen para la temporada primavera-verano de 2007. Pero, no posará en ninguna campaña, sino que presentará en exclusiva estas creaciones durante un concierto. El líder de Babyshambles, vestirá los diseños exclusivos de la marca en un espectáculo previsto para antes de Navidad en un lugar secreto de Londres. Gio-Goi, que viste a grupos como The Streets, Arctic Monkeys o The Paddingtons, dijo en un comunicado que Doherty es la inspiración para su colección rock and roll para la primavera-verano de 2007. Por último, existe el libro infantil "A Boy Called Pete" que es un cómic de un antihéroe que alerta a los niños de los peligros de las drogas; su publicación en el Reino Unido es ya todo un éxito de ventas. En un lenguaje  sencillo y en 48 páginas, los niños se enfrentan al horror de las drogas duras. El cómic narra la vida del líder de los Babyshambles, un joven que "canta canciones y lleva sombreros", un chico que en el fondo es bueno, pero que no es capaz de abandonar las drogas. El y su novia, "una señora muy famosa llamada Kate" consumen en la historieta una montaña de cocaína que les lleva de un problema a otro, siempre del lado equivocado. El autor del libro, Peter Robinson, señala que Pete es el personaje ideal para su cómic. "Nunca sabes cuando le van a detener, cuál será la próxima desgracia que le lleva al calabozo". El ilustrador David Whittle ya ha publicado ilustraciones en Popjustice, creada por Robinson, con Britney Spears (A Girl Called Britney), Elton John y Michael Jackson como protagonistas.

Down in Albion / The Babyshambles

Down In Albion es un disco de ingredientes conocidos, pero de cocción complicada. No es una obra maestra ni un disco influyente. Es una placa irregular, descacharrada, caprichosa, larga, absurda, yonqui, torpe, caótica e indomable. Es el fiel reflejo del innegable talento y desastroso día a día de su compositor. Oyes a un cantante enseñándole a su grupo las canciones que recuerda antes de volver a la calle y retomar esa caótica existencia que ha decidido liderar. Oyes guitarras intentando adivinar los cambios de acorde. Oyes coros medio inventados y desafinados. Oyes a un yonqui con el aliento entrecortado echando el resto en esa toma por si acaso no hay otra. Oyes a una banda tocando en una habitación podrida. El álbum, al igual que sus directos, están basados en lo visceral, lo emotivo, la poética autodestructiva y la honestidad de canciones como “Fuck for Ever” (“So what’s the difference between death and glory? I can’t tell between death and glory”). Es el single más popular de la banda, posee esa rabia in-contenida en un estribillo que podría pasar a los anales de la historia del rock.

“La Belle et la Bête ” (“You’ve turned your back upon her, One too many times, Spent all her hard earned money, Getting high”), “Killamangiro” (“On the off chance that your listening, To the radio I thought you might like to know you broke my heart”) o “What Kate Did Next” (“If you love her, then tell her you love her and you could be kissing her soon”). En su segunda condena, en febrero de 2005, trabó amistad con un presidiario apodado The General; es quien canta “Pentonville”. “Albion”, su canción favorita, resume con aire contenido, reflexivo. Suena intelectual y emocionante; en “Pipedown”, canción donde habla de abandonar las drogas. Quizá sea la que le inspiró la frase: “nunca ha habido un grupo tan bueno como hacerme abandonar el crack”. Lo nuevo de la banda de Pete Doherty viene en forma de EP con cinco temas nuevos entre los que destacan cortes como The Blinding o Sedative.

P.D.: Agradecimientos a In Edit Chile / www.inedit.cl

Richard Linklater x2, calza con esa faceta de autor/director indie. Ha dirigido cinco películas en apenas 3 años. "Fast Food Nation" es una particular mirada a la industria de la comida rápida.

+ La cinta trata de analizar la poderosa industria de la comida rápida, las consecuencias medioambientales, sociales y sanitarias de tan provechoso negocio. Una película auspiciada por tipos tan dispares como el millonario Jeff Skoll (productor de “Buenas noches & buena suerte” y “Syriana”), el creador de los Sex Pistols Malcolm McLaren o el prestigioso productor Jeremy Thomas (El último emperador, Crash, Soñadores).

+ El film demuestra que McDonald's y la industria de la comida rápida no están haciendo lo suficiente para combatir un problema de obesidad infantil que empeora. La cinta cuenta con las actuaciones de Patricia Arquette, Ethan Hawke, Greg Kinnear, Kris Kristofferson, Avril Lavigne y Catalina Sandino Moreno.

+ En el libro, "Chew on This: Everything You Don't Want to Know about Fast Food", el autor Eric Schlosser espera llegar a los adolescentes de quienes dice están profundamente influenciados por la publicidad de la comida rápida para que consuman cosas insalubre que los hacen engordar. El libro es una continuación de "Fast Food Nation" (2001), en el que Schlosser acusa a McDonald's y a otros de pagarle a sus empleados salarios de niveles de pobreza, de ignorar el bienestar animal y de contribuir a un aumento en las heridas de los trabajadores en los mataderos.

+ El director ejecutivo de McDonald's, Jim Skinner, tuvo una reunión con periodistas en la que dijo que la compañía aumentaría los esfuerzos por educar a los consumidores acerca de la calidad de su comida y de la solidez de sus prácticas. En los últimos tres años, McDonald's ha revitalizado las ventas en su negocio de bandera de Estados Unidos y ha introducido productos más saludables, como las ensaladas y los sándwiches de pollo asado. También ha lanzado lo que denomina una campaña de "estilos de vida equilibrados", que promueve la actividad física en sus clientes.

 

A Scanner Darkly, es la adaptación cinematográfica de Richard Linklater, basada en la novela de uno de los más imaginativos escritores de ciencia ficción del siglo XX —Phillip K. Dick—; animación rotoscópica, drogas, identidades dobles, y geopolitica. El reparto de lujo: Winona Ryder, Keanu Reeves, Robert Downey Jr., Woody Harrelson, Rory Cochrane.

+ “Esta es una novela acerca de algunas personas que fueron demasiado castigadas por lo que hicieron”. Con esa nota del autor se epiloga la novela más brutal de Phillip K. Dick. Linklater cuenta que la primera novela que leyó de P.K. Dick fue "Valis" pero luego se obsesionó cuando leyó "Ubik", sobre la que hizo un borrador para un guión, porque pensó que sería una muy buena película. Luego de una reunión con Soderberg habló sobre "A Scanner Darkly", porque sabía que Ubik no estaba disponible para la venta. Dos días después "Sección 8" la productora de Soderberg, compró los derechos de autor de Scanner para Linklater. Una curiosidad: el padre de Wynona Ryder conocía a Philip K. Dick y tenía guardadas, algunas cartas del escritor.

+ "A Scanner Darkly" se desarrolla en la suburbana Orange Country, California en un futuro donde América ha perdido la guerra con las drogas. Cuando ha un nuevo recluta de la policía le ordenan que comience a espiar a sus amigos, éste se lanza a un viaje paranoico al absurdo, donde las identidades son imposibles de descifrar. Se trata de una historia que advierte sobre el uso de las drogas basado en la novela de Philip K. Dick y en sus propias experiencias.

 
+ Cuatro años después, el proceso usado en Waking Life se ha perfeccionado, y Linklater ha invitado a varios ilustradores de comics a "dibujar" su filme. Bob Sabiston, el inventor y principal practicante del estilo de animación rotoscopiada. El rotoscopiado es una técnica consistente en rodar imagen en vídeo real y tras un procedimiento muy meticuloso, transformar estas imágenes en animación. “La historia no es comercial, el presupuesto era bajísimo y me había gastado todo en el casting. Si hubiera tenido que hacerla como una película de imagen real con formato de cine, se me habría ido los 20 millones de dólares. Enloquecí porque sentía que el proceso de animación era demasiado lento. Podía mirar por encima del hombro de un animador una semana y volvía una semana después y poco había cambiado, así que, para mantenerme en mis cabales, me dediqué a trabajar en otras cosas”.

 
+ Sabiston, otro cachorro del MIT y compañero de promoción de John Maeda, escribió él mismo el software más completo y sofisticado para producir secuencias rotoscopiadas, y se ha convertido en el maestro indiscutible de esta técnica; los asistentes a ediciones anteriores de Resfest o Animac habrán podido ver algunos de sus particulares cortometrajes, como Grasshopper. Su herramienta, Rotoshop, está guardada bajo siete llaves en las oficinas de su compañía, y se niega a comercializarla a pesar de las constantes peticiones de animadores y cineastas. No es un sistema totalmente automático, sino que requiere un operador con experiencia en animación. Esto permite que la imagen se desvíe de la imagen fotográfica subyacente, y también el uso de diferentes dibujantes con estilos distintos.

A sus 17 años, Justin Cobb todavía se chupa el dedo. Quiere evitarlo, y además es consciente de que este hecho está trastornando a su familia, su vida amorosa y su propia identidad. Agradecimientos a Alfred por el DVD.

+ Thumbsucker es una mirada honesta y curiosa a la lucha interna que sostiene la gente que se siente profundamente incompleta, tanto si se trata de adolescentes como de adultos de mediana edad. Suspiran por ser cualquier cosa menos lo que son, con sus miedos y dudas reales. Anhelan ser “normales”. Buscan respuesta mágicas para sus problemas y acaban descubriendo que no pueden ser nadie más que ellos mismos; que lo “normal” no existe y que sus defectos son lo que les hace humanos y enternecedores.

+ Basada en la novela homónima de Walter Kirn, autor educado entre mormones en una granja de Minnesota que, tras pasar por Princeton y Oxford, llegó a editor literario GQ, Time y Vanity Fair. La cinta de financiación independiente, aporta un punto de vista sensible al tema que trata. Por medio de la crítica mordaz de algunos de los valores más sagrados de la Norteamérica contemporánea —el núcleo familiar, el suburbio paradisíaco, los chamanes comprimidos de la farmacéutica moderna—, la película nos habla, sin paños calientes, del tipo de vida que se lleva en la actualidad.

+ Thumbsucker es la primera película dirigida por el prestigioso diseñador gráfico Mike Mills, conocido por sus videoclips para Moby, Pulp y los franceses Air (Air: Eating, Sleeping, Waiting and Playing - 2003), "Pulp Anthology" (2002), y "Paperboys" (2001). Ha servido de background en la mayoría de los aclamados cortometrajes del mismo: The Architecture of Reassurance (1999) y Paperboys (2001)”. La banda sonora de esta película está compuesta por Tim Delaughter, vocalista de The Polyphonic Spree e incluye tres tracks de Elliott Smith. Descarga acá: The Polyphonic Spree & Elliott Smith - Thumbsucker soundtrack (2005).

+ Thumbsucker consiguió el Premio Especial del Jurado a la Mejor Interpretación (Lou Pucci) en el Festival de Cine de Sundance de 2005 y el Oso de Plata al Mejor Actor (Lou Pucci) en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 2005. El reparto de la película incluye a Tilda Swinton, Vincent D’Onofrio, Benjamin Bratt, Keanu Reeves y Vince Vaughn. Interpretando al personaje principal de Justin Cobb están el también debutante y desconocido Lou Taylor Pucci.

1. Los barrios son tierra de apariencias” —comenta el novelista Walter Kirn—. “Se rigen por la necesidad de simular una evolución aceptable para el jefe, la iglesia, los vecinos... Sin embargo, la gente sufre y tiene ansiedades del mismo modo que en todas partes. Se trata del mal encaje entre lo epidérmico, la superficie, y las profundidades que hacen a los suburbios lugares realmente interesantes y hasta desgarradores.”

2. Mills rueda el entorno como si lo estuviera viendo por vez primera, permitiendo de este modo que la estética ordenada y rutilante de esta comunidad aparentemente ideal juegue a modo de potente contrapunto a la confusión emocional y la lenta devastación que se aloja justo bajo la superficie. “Me interesaban particularmente los suburbios de Oregón” —comenta Mills—, “porque resultan muy, pero que muy nuevos. Hay suburbios por todas partes, pero en otros lugares se pueden ver cada década de desarrollo. Nosotros rodábamos en el mismísimo borde de ese desarrollo, de tal modo que puedes ver las casas, pero también el bosque que está inmediatamente al lado.”

3. La actriz Tilda Swinton (Audrey), nativa de Escocia, enfocó el entorno con una mirada parecidamente antropológica. “No me crié en un suburbio” —explica—. “Y hemos rodado la película en el primer barrio peculiar, verdadera jungla salvaje, con el que me haya cruzado en mi vida. La existencia que te ves obligado a llevar en ese entorno es realmente particular, e implica ocultar cosas y algo así como seguir un texto para tu vida.”

4. Walter Kirn pone el dedo en la tensión que da vida al suburbio en Norteamérica como un todo cuando observa: “La gente quiere dos cosas: seguridad y, sin embargo, también estar vivos, sentir pasión. En un suburbio, esto deviene un verdadero conflicto porque la pasión tiene sus límites. No pongas la música demasiado alta, no te lo montes con la chica en público, no te dejes ver acompañado con la mujer que no es tu esposa. No pueden imponerse ese tipo de restricciones en el deseo humano y pretender que la energía no resume por los costados.”

5. Una de esas “filtraciones” que en muchos sentidos resulta el punto central del film toma cuerpo como consumo abusivo de medicamentos tanto en su versión oficial, corporativa, como en sus variantes domésticas con miras a aliviar la disonancia cognitiva que se halla en la esencia de la vida suburbana. Kirn nos explica: “Tanto en la película como en el libro, Justin sufre lo que los psicólogos denominan “trastorno por déficit de atención,” que significa la incapacidad para concentrarse en una única cosa. Como sociedad, creo que ya lo estamos padeciendo. No has terminado una cosa, que ya estás imaginando la próxima; no conoces una persona pero ya estás buscándole los defectos y comparándola con otros. Hacemos lo mismo con nosotros mismos. Estamos probándonos constantemente; creo que eso, precisamente, es lo que Justin hace en esta película.”

6. "Iba por la página 65", recuerda Stephenson, "cuando fui y me hice inmediatamente con una opción de compra de los derechos del libro. Entonces le dije a Mike Mills que debía leerlo". Por su parte, Mills sólo puede decir: "me siento afortunado que Stephenson creyera que era la persona idónea para el proyecto. Estuvimos buscando un guionista, inmersos en el proceso, y entonces un día le dije 'Bobby, deja que lo escriba yo. Alentó el intento y convenció a los otros para que me dejaran hacerlo. Se convirtió en mi principal editor a lo largo de todo el proceso de escritura y contribuyó con toneladas de ideas; fue realmente la persona que hizo que mi labor tuviera sentido para el resto del mundo".

7. "Era un proyecto difícil de sostener", dice el productor Anthony Bregman. "Se trata de un libro realmente original, y el tratamiento de Mike es único. Generalmente, esta industria frunce el ceño ante proyectos que no son como los otros, y cuando tienes algo que resulta realmente original, como "Thumbsucker", todo el mundo dice: 'sí, creo que esto será muy interesante, pero no puedo arriesgarme a invertir dinero'".

8. "Creo que es tremendamente importante trabajar en las películas que adoras", comenta la productora ejecutiva Cathy Schulman. "Durante años de tu vida estás dedicada a ellas, inviertes una ingente cantidad de tiempo, te armas de una perseverancia inaudita y, honestamente, nunca quisieras llegar a sentirte aburrida; nunca quisieras llegar al momento en que te dices '¡Qué diablos estoy haciendo aquí!'".

9. El joven protagonista Lou Pucci (Justin) se muestra de acuerdo. "En lo único que puedo pensar cuando describo el modo en que Mike trabaja es la realidad. Trata de insuflar realidad en todo cuanto hace. Quería que la cosa pareciera como si no surgiera de una película, como si no hubiera un solo 'momento cinematográfico'".

10. Esa soltura y estilo engañosamente casual que tienen las escenas individuales y las interpretaciones de "Thumbsucker" se contrapesan con las restricciones técnicas impuestas por el uso calculado de las lentes anamórficas de que hace gala Mills. "Así, el rodaje se hace más estructurado", observa el director. "La cámara se mueve pero asemeja estar más estática y estructurada de lo que pensé, aunque ésa era la idea básica, debía tener un aire a lo movimiento dogma", continúa, refiriéndose al manifiesto naturalista defendido por cineastas europeos independientes como Thomas Vinterberg y Lars von Trier.

11. Mills dice: "la mayoría de la gente con la que he trabajado en este largometraje lo ha hecho conmigo durante los últimos siete años. No considero que sean simplemente personal contratable, son realmente parte del equipo". Y como todo buen equipo, Mills y los suyos han desarrollado una comunicación taquigráfica que ha resultado de lo más útil a la hora de enfrentarse a los retos que se derivan de levantar un film independiente. La diseñadora de vestuario April Napier, por ejemplo, ha trabajado con Mills lo suficiente como para que "sepa cuáles son mis idiosincrasias, como, por ejemplo, mi fetichismo por los pantalones de pana y cosas así. Sabe cuáles son muchas de las cosas a las que voy a decir sí".

12. "Lou Pucci es Justin", dice Mills con rotundidad. "Ésa fue la mayor de las suertes, buena voluntad, o lo que fuera que tuviéramos. Estuve entrevistando al menos 100 actores jóvenes antes de que entrara Lou. Y entonces, apareció él; el primer vuelo de avión en su vida lo acababa de hacer para presentarse a la audición. Había hecho teatro durante mucho tiempo pero no se sentía como la mayoría de los chicos. No pensaba que venía a comerse Los Ángeles, como alguien que se dice: '¡hey! Soy actor y un tipo duro y guay'. Estaba nervioso y ansioso, en fin, todo eso que es tan propio de Justin".

13. La incorporación de Pucci refleja la filosofía que Mills asumió leyendo el trabajo de un director tan célebre como Elia Kazan. "Kazan que hay que contratar a la persona. Hay que ver al personaje, en la historia de la persona, su vida, su psicología; no es suficiente mirar a la persona como actor". Mills se aplicó la filosofía en cada una de sus elecciones, incluyendo la de Keanu Reeves, quien encarna al ortodontista holístico Perry Lyman en "Thumbsucker".

14. "Perry es un buscador de lo absoluto", opina Mills, "y creo que Keanu busca lo absoluto. La diferencia está en que contrariamente a Keanu, el personaje de Perry procede de todo un abismo de inseguridad, y ello es lo que hace que se ponga todas esas máscaras". Por su parte, a Reeves le encantó la posibilidad de salirse de cintas como la trilogía de Matrix, y dedicarse a un tan poco convencional drama de personajes como "Thumbsucker". "Había finalizado mi participación en las dos secuelas de "Matrix". Unos siete meses más tarde, llegó a mis manos este guión. Me pareció una maravilla. Se trata verdaderamente de un guión muy bello. Mike y yo nos citamos y mantuvimos una conversación agradable. Hablamos nuevamente, y entonces me mostré dispuesto. Les hice saber que me encataría formar parte de esto, y que me gustaría mucho poder dar vida a Perry. Se trata de un gran papel. Y es un gran filme".

15. "Uno se espera a Keanu", explica Mills, "rodeado de un exquisito séquito, o bien alguien prácticamente inaccesible, o cuanto menos inaccesible emocionalmente, o tan curtido que todo le va ancho, pero se trata de una de esas personas que te trata como si fuera la primera película que está a punto de emprender. Me sorprendió lo humilde que se muestra. Mi principal labor como director consistía en animarle diciéndole que había efectuado la decisión correcta. Todo ello nos habla de lo mucho que la interpretación precisa de la vulnerabilidad".

16. Respecto al trabajo de Mills con Vince Vaughn, quien encarna al Sr. Geary, el instructor de debates, el realizador comenta: "no dirigí a Vince Vaughn. Me limité a seguir la oIa del actor durante unos días", según Mills, Vaughn prestó tal dimensión a su papel que trascendió la adaptación que él había escrito. "Definitivamente, Vince tenía sus propias ideas acerca de Geary, sobre el Ritalin, y sobre cómo ser profesor que no estaban en el guión antes de que él apareciera, y cabe admitir que fueron unos añadidos estupendos", dice Mills. "Estoy muy dispuesto a dejarme sorprender por un actor; creo que Vince está buscando siempre momentos sorprendentes, o simplemente la manera de responder al momento".

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